Partiamo con ordine dalla musica, dagli studi in particolare, autodidatta o accademico? Entrambe le cose, ma sicuramente più autodidatta. Ho imparato a conoscere la chitarra, per prima, e poi gli altri strumenti spinto da una curiosità creativa più che da un interesse scientifico. In passato ho studiato pianoforte e l’ho dimenticato, ho studiato chitarra rock e poi chitarra jazz ma alla fine vivevo con sofferenza lo scarto esistente tra gli studi, la grammatica musicale e quello che effettivamente producevo. Circa un anno fa ho cercato di riprendere a studiare musica pensando di arricchire così le mie capacità espressive ma ho capito subito che ormai la mia mente “suona” seguendo altri percorsi ed avevo fatto troppa strada in quella direzione per intraprenderne un’altra.

Una panoramica sul tuo background e le tue radici per poi chiederti come ti sei avvicinato al genere? Dopo le prime esperienze giovanili ho iniziato come chitarrista e cantante (Pin Pin Sugar) e già allora ero molto curioso verso il mondo della musica cosiddetta “sperimentale” che non fosse rock, quindi le prime sperimentazioni hanno avuto luogo in camera con gli strumenti ed oggetti che già possedevo. Mi ricordo che i miei primi cd-r (in realtà copie singole di cui facevo con cura la copertina e facevo ascoltare agli amici) erano fatti con due pedalini boss e un microfono rotto, ma l’intensità e la convinzione erano incredibili.Posso dire che l’aspetto artigianale è rimasto negli anni e anche ora se mi vengono delle idee, che possono riguardare non solo la musica ma anche gli strumenti stessi, cerco subito di ottenere dei risultati partendo dei materiali che trovo in casa e costruendomi delle soluzioni. Questo vuol dire talvolta sprecare intere giornate prima di capire che forse  quello che trovo in casa non basta o che quello che ho fatto non funzione se applicato ad un live set, ma molto spesso alcune soluzioni che uso dal vivo e per i dischi sono nate da delle invenzioni molto artigianali.

Raccontaci qualcosa di più su come strutturi il suono, la composizione e che software e hardware usi? Il mio modo di comporre ed organizzare i suoni tra loro risponde molto a canoni spaziali, estetici e di gusto personale, quindi arbitrari e di conseguenza criticabilissimi.Come software uso Logic, come programma di registrazione e mix, non uso altri software. Come hardware invece oltre a vari effetti e il dark energy doepfer come synth, trasduttori, una sorta di chitarra auto costruita e svariati altri oggetti e strumenti.

Nell’epoca del boom digitale e del downloading, l’importanza per te del concetto disco? Il disco ha una parte fondamentale nella vita di ogni musicista, ne fissa lo stato dell’arte in un momento preciso e forse poco importa quale sia il formato con il quale viene presentato. Preferisco possedere un disco che sia LP cd o cassetta però ho anche bisogno di ascoltare molta più musica di quella che posso realmente permettermi di comprare. Però ritengo sbagliato considerare la musica come merce di consumo gratis, ogni disco è il frutto del lavoro di qualcuno, a volte anche di molte più persone di quelle che appaiono in copertina.

Parlando di repertorio dal vivo, come gestisci live set? Tendo a portare dal vivo le modalità utilizzate nel disco, questo non vuol dire però cercare di riproporre il disco durante il live set che invece costruisco seguendo una scaletta mentale il cui svolgimento è affidato in gran parte all’improvvisazione.

Parallelamente al tuo lavoro di musicista di che ti occupi? Domanda caldissima. In questo periodo sto mettendo in discussione molte cose, mi sono liberato dal concetto “familiare” di professione e sto cercando di distribuire in maniera trasversale nelle cose di cui mi occupo di quello che realmente sento di fare ed è giusto che io faccia, chiamala creatività, arte o invenzione. Ecco ultimamente mi sento un inventore piuttosto che un musicista o un architetto, questo forse mi aiuta a superare la dicotomia a tenuta stagna che fino a poco tempo fa strutturava la mie giornate. Viste queste novità sto cercando di allargare di molto gli ambiti nei quali poter usare la mie capacità per quanto sia in grado di farlo. Mi sono occupato di video (con Fatima Bianchi) e mi piace molto lavorare con il suono in quest’ambito, sto cercando di collaborare con una compagnia teatrale e sto iniziando, come Faravelli/Ratti con Attila Faravelli, a concepire il duo anche come spazio per sperimentare il design e la produzione di elementi molto elementari di diffusione sonora. In pentola bollono tantissime altre idee e la necessità di concretizzare, anche monetariamente, mi dice che devo sbrigarmi a capire se si possano mangiare o meno.

L’evento è ideato e organizzato dai giornalisti musicali Vincenzo Santarcangelo (Rockerilla, Sentireascoltare, Antithesi, Teknemedia/Arskey) e Sara Bracco (Arpeggi, Sentireacoltare, Extra, LaScena, Antithesi), con la collaborazione dei blog 404 (www.quattrocentoquattro.com) e la nostra webzine Arpeggi (www.arpeggi.org).

BIOGRAFIE MUSICISTI

Fabio Orsi (Napoli, 1979) è un talentuoso compositore rivelatosi con una serie di pubblicazioni accolte da un coro unanime di entusiastici consensi critici. Nelle sue composizioni i linguaggi della tradizione popolare si incontrano con quelli dell’avanguardia (elettronica, ambient, drone, Kosmische Musik) creando un mix tanto originale quanto affascinante. Nel giro di pochi anni Orsi è diventato uno dei punti di riferimento imprescindibile della scena sperimentale nazionale e internazionale. Era il 2005 quando l’esordio di “Osci”, rilasciato dall’etichetta SmallVoices, conquistò critica e pubblico. In seguito l’artista ha continuato un’intensa attività produttiva pubblicando lo split “For Alan Lomax” per A Silent Place nel 2006, uno splendido omaggio all’etnomusicologo americano con la collaborazione de My Cat Is An Alien, e poi una serie di cd realizzati in duo con l’amico/compositore Gianluca Becuzzi. Altri lavori li hanno seguiti, pubblicati da prestigiose etichette di tutto il mondo: Last Visible Dog (Usa), Preservation (Australia), Porter Records (Usa), Low Point (Inghilterra), Privileged To Fail (Inghilterra), Root Don Lonie (Nuova Zelanda), Slow Flow Records (Giappone), Ruralfaune (Francia), Boring Machines (Italia). Ha preso parte a numerosi festival come Signal, Piombino Experimenta, Flussi Sonori, Lucania Film Festival e collaborato con blasonati artisti: oltre ai già citati My Cat Is An Alien e Gianluca Becuzzi, Valerio Cosi, Brad Rose, Seaworthy, Pimmon.

Andrea Valle (Torino, 1974). Bassista elettrico interessato al rock sperimentale e al free jazz, ha studiato composizione con Alessandro Ruo Rui, Azio Corghi, Mauro Bonifacio, e ha frequentato masterclasses di Trevor Wishart e Marco Stroppa. Il suo lavoro come compositore è principalmente centrato su metodologie algoritmiche, indifferentemente in ambito elettro-acustico e strumentale. Quando compone per strumenti acustici, è particolarmente interessato a sviluppare metodologie per la generazione automatica di notazione musicale, e ha partecipato al 21 Notation 21 (Theresa Sauer, ed., New York, Mark Batty, 2009). Sue composizioni sono state eseguite alla Logos Foundation e commissionate dal Trio di Percussioni dell’OSN Rai di Torino. Tra i suoi lavori, installazioni multimediali, musica da film (La forêt rouge, di Michela Franzoso, un progetto ospitato da Le Fresnoy, 2008; Rohbauten, da Eva Sauer, 2009), e di recente teatro musicale (Cotrone, di Marcel•Lí Antunez Roca, 2010). È membro della core-unit di AMP2, collettivo dedicato alla improvvisazione elettronica, con cui ha pubblicato l’album Hopeful Monster album pubblicato da Die Schachtel nel box set “Musica Improvvisa”, in cui utilizza il “rumentarium”, ensemble di percussioni elettromeccaniche controllato dal calcolatore. Dottore di Ricerca in Semiotica presso l’Università di Bologna, è attualmente ricercatore presso il Dipartimento DAMS dell’Università degli Studi di Torino ed è membro fondatore del CIRMA, Centro Intedipartimentale per il Multimedia e l’Audiovisivo della stessa Università. Ha partecipato al progetto VEP, finanziato dall’UE, che ha ricostruito in Realtà Virtuale Padiglioni Philips. Ha pubblicato in numerose conferenze internazionali dedicate alla multimedialità, computer music e della semiotica.

Dario Sanfilippo (Agrigento, 1978). Il suo interesse per la non linearità e l’imprevedibilità lo spingono all’uso dell’improvvisazione per la realizzazione dei suoi brani e delle sue performance. Nel suo progetto principale sviluppa sistemi non stocastici basati sul feedback che presentano proprietà emergenti, dinamica non lineare, auto-dis/organizzazione e comportamenti caotici. Le sue performance sono il risultato dell’interazione tra l’estetica dell’uomo e l’estetica della macchina, dove queste due entità sono interdipendenti e ricorsivamente influenzate l’una dall’altra. Nel 2008 diventa membro dell’ensemble elettro-acustico AMP2. La sua composizione “Chitarra acustica improvvisamente stravolta” è stata selezionata durante Live! iXem Festival 2005 da una giuria composta da Phill Niblock, Jeremy Bernstein, Xavier Querrel, Domenico Sciajno. Nel 2007, la composizione “Pasto Nudo” è stata tra le cinque finaliste dell’Art National Award. Nel 2010 la sua collaborazione col fotografo Alfredo D’amato viene selezionata per il XVIII Colloquio di Informatica Musicale, e nel 2011 il suo progetto LIES è stato selezionato per la conferenza Sound and Music Computing. Si è esibito in Italia e in Europa e ha pubblicato per etichette come Bowindo (Italia), Die Schachtel (Italia) e Creative Sources (Portogallo). Nel corso degli anni ha collaborato con artisti come Andrea Valle, Domenico Sciajno, Tim Hodgkinson, Birgit Ulher, David Brown, Sean Baxter, Anthony Pateras, Cat Hope, Peter Kutin, Urkuma, Salvatore Bonafede. Nel 2011 ha conseguito la laurea in Musica Elettronica al Conservatorio di Trapani.

Easychord è il progetto solista di Roberto Pizzichetta (Torino, 1983), polistrumentista impigliato tra laptop, loop e real-time-processing. Distilla arredi sonori (improvvisazione musicale e miscele elettroacustiche) addentrandosi nel suono con estrema sensibilità. Suoni elettronici, gorghi sonori, drones e stratificazioni ipnotici sono alcuni degli elementi che prendono forma in sede di live interagendo con spazio e assenza di spazio, e coinvolgendo l’ascoltatore in un infinito avvolgente. Il live-looping prevede la registrazione e la riproduzione di loop e/o campioni audio realizzati in tempo reale, mediante ausilio di attrezzature hardware (nastri, o congegni analogici) e software. E’ un processo dalle numerose e imprevedibili direzioni sonore, aperto a stratificazioni strumentali, improvvisazione e a innovative tecniche di composizione.

Immagine di locandina grafica_Van Orton, fotografia_Sara Bracco

Uno stralcio dello spettacolo  http://www.youtube.com/watch?v=B1lWcdVW2BU

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]]> http://www.arpeggi.org/2011/05/23/pierre-gerardshinkei-static-forms/feed/ 0 http://www.arpeggi.org/2011/05/23/nicola-ratti-220-tones/ http://www.arpeggi.org/2011/05/23/nicola-ratti-220-tones/#comments Mon, 23 May 2011 21:36:46 +0000 Rob http://www.arpeggi.org/?p=698 A spiegare che cosa vuol dire parlare di materia viva al di sotto della superficie del laptop le sette tracce di 220 Tones ed una carriera artistica in armonia tra applicazione al suono ed estrema cura della fonte. Nicola Ratti, non lascia esperienza e repertorio al caso, dal math-jazz-core dei Pin Pin Sugar, alle collaborazioni con i morriconiani Ronin passando per jazz contemporaneo di Ode e il sodassimo  elettroacustico con Attila Faravelli, coniugando da sempre alla più tradizionale figura del chitarrista un senso di autentica innovazione, merito di una spiccata propensione all’avanguardia.

Secondo capitolo al progetto Cyclo. per il duo nippo-teutonico che, con l’omonima uscita (già nel 2001) consacrò la glitch music al XXI secolo, alleggerendo la pura estetica con linguaggi più accessibili meno stagananti e autereferenziali. Quella plaudibile evoluzione alla glitch music che Alva Noto (alias Caster Nicolai) due anni or sono addomesticò in Xerrox Vol.1 -tra il noise più concettuale e le scariche elettriche – professando al riduzionismo stilistico della Raster Noton i credi, i circuiti ed i numeri più  innovativi. Contemporaneamente anche il giapponese Ryoji Ikeda, sotto un’apparente scorza inquadrata, intrecciò già a metà novanta in +/- una riflessione radicale  all’estetica della glitch più ortodossa, costituendola poi in Test Pattern in quello che fu il flusso più autonomo e la partitura digitale più accurata tra i radicalismi sonori del giapponese. Id, nasce intorno a un databese di audio imput, studiati per riprodurre risposte visuali se analizzati in tempo reale con strumentazioni capaci di tramutare frequenze in immagini, processi che incontrano territori sonori all’apparenza ostili ma che nella rappresentazione visiva acquistano apertura e duttilità espressiva. Il live ne completerebbe l’operazione, mancanza che di fatto la Raster Noton colmerà a breve con un’ulteriore uscita che contiene l’estensione dei visual. Nell’attesa però, l’album prende forma nel suono e da subito dichiarandosi potenziale d’espansione per quella che in realtà è un espressione musicale di confine. L’assenza di un ordine resta, nella scelta di packaging puro, nella non masterizzazione come nelle istruzioni di copertina “per l’uso casalingo: per un ascolto ottimale non comprimere in mp3″. A divorare i confini del nulla ci pensano sempre le masse in atomi di suoni di Ikeda che dialogano tra convulsioni, distese e bassi pulsanti con le scorie digitali, le microfrequenze e gli schemi ritmici di Alva Noto. Id resta organizzato ma struttura più forza creativa dell’omonimo Ciclo. ed è merito dello scivolamento di codici verso campi più cristallini e ritmici che permettono all’ascolto di acquistare fruibilità. Ed ecco che i suoni puri, le geometrie matematiche e modulari del giapponese appaiono come liberati dal formalismo del mezzo elettronico ed addestrati ad un libero fluttuare, dalle progressioni e dalle frequenze pungenti di Nicolai. Evidente anche qui- come nella recente collaborazione con Blixa Bargeld- la capacità dell’elettronica di precisione del berlinese di accomodarsi alle operazioni, smorzando l’algida gabbia digitale in cui spesso Ikeda appare intrappolato. Cambiando l’ordine degli addendi (fissità, timbro e durata) il risultato però cambia, evidenziando chiara tattilità d’ascolto e plasticità di suono. Parlava Xenakis in Formalized music di costellazioni soniche in viaggio attraverso lo spazio del suono e noi aggiungiamo in nuove direzioni.

(8.5)

Comincia tra echi di caverne sotterranee An ark for the listener, e segue per meno di un’ora in frequenze subliminali che  -ispirate dagli scritti del gesuita Manley Hopkins- accompagnano l’inglese Philip Jeck in una forsennata ricerca alchemica.
Ma a lungo andare il tono si mantiene uniforme e sopravvive di una sua ben definità identità -l’ambient e l’elettroacustica più sinistra- materia (droni, sinfonismi, fruscii atmosferici o quell’esiguo numero di elettronica) e struttura (fontane cromatiche per stratificazioni timbriche ed irregolarità più o meno acustiche).
Ragioni di essere che si mettono maniacalmente a fuoco tra spazi vuoti e trame plumbee, quello che già accadeva insomma ai tempi di “7″.
La sensazione in agguato è di una spolverata vertigine di genere scolpita nell’estremo della tensione (Dark Rehearsal) o liquefatta nella fissità e negli agguati (Thirtieth).
Un mondo strabivo e galleggiante (Terntyninth) a tratti confuso e privo di scarto che non trova rinnovamento nel suo sommarsi di istanze e nei suoi favoritismi allo spiccato senso narrativo dell’autore, diventando oggetto sonoro reiterato -a venire- di se stesso.
Inevitabilità ontologica alla ricerca della sua pietra filosofale.

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